#Cine

En los años siguientes a la Primera Guerra Mundial, la industria cinematográfica se transformó en uno de los sectores notorios de la industria americana, generando millones de dólares de beneficios a los productores que tenían éxito.

Las cintas de este país se internacionalizaron y dominaron el mercado mundial. Los autores europeos más notorios fueron empleados por los estudios y sus técnicas se tomaron en Hollywood, que las adaptó a sus fines comerciales. El star system floreció, y las cintas emplearon a las grandes estrellas, entre otras a Rodolfo Valentino, John Barrymore, Greta Garbo, Clara Bow y Norma Shearer, como destacado encantador para el público. El periodo se singularizó igualmente por el intento de regular los valores morales del cine a través de un código de censura interna, desarrollado por la propia industria de Hollywood en 1930 (el código Hays, bautizado así por conducirlo el político y moralista Will Hays). Este tipo de instrumentos de control político moral persistieron hasta 1968 en Estados Unidos.

Tras décadas de dominación en las que Australia era un mero decorado para filmar cintas extranjeras, un cine nacional pudo emerger a comienzos de la década de 1970, con la obra de Peter Weir (el más destacado de los cineastas australianos) Picnic en Hanging Rock (1975). En esta cinta se reproducía un suceso de 1900 en el que un conjunto de colegialas desapareció de manera inexpresable en una excursión. Igualmente han destacado las obras de Bruce Beresford The Getting of Wisdom (1977), sobre la vida en un colegio victoriano de chicas, y Consejo de guerra (1980), que cuenta la historia real de tres militares australianos que durante la Guerra Bóer fueron juzgados por homicidio de prisioneros y condenados a fallecimiento. Por último, Gillian Armstrong en My Brilliant Career (Mi brillante carrera, 1979) cuenta los primeros años de vida de una escritora feminista de comienzos de siglo.

Asociada por su cercanía geográfica y cultural a Australia se encuentra la cinematografía de Nueva Zelanda, con la directora Jane Campion a la cabeza, autora de El piano (1993) y Retrato de una dama (1996).

Una de las figuras imprescindibles en la historia del cine universal es la del español Luis Buñuel, cuya carrera cinematográfica ha transcurrido en su mayor parte en México y Francia, debido a los conflictos que tuvo con la tiranía del general Franco tras la Guerra Civil española. De joven era ya un autor de vanguardia; rodó junto al pintor surrealista Salvador Dalí el cortometraje Un perro andaluz (1929) y el mediometraje La edad de oro (1930).

Algún tiempo tras la aparición de la nouvelle vague francesa, se manifiesta en Alemania un conjunto de cineastas jóvenes que compartían un punto de vista crítico sobre la sociedad de su tiempo, negando de plano el complaciente materialismo burgués. Werner Herzog, uno de sus representantes más tradicionales, haría, a través de paisajes sobrecogedores y personajes exóticos, una reflexión sobre la vida en circunstancias difíciles y peligrosas, como en su cinta más conocida, Aguirre, la cólera de Dios (1972), sobre el conquistador español Lope de Aguirre, que en el siglo XVI y en pleno Amazonas se manifestó rebelde al monarca Felipe II, pretendiendo, perdido y famélico, dominar un continente entero. Wim Wenders, por otro lado, ha tratado sobre la alienación y la autorrealización, como en El amigo americano (1977), París, Texas (1984) o Cielo sobre Berlín (1987), en cintas que exhiben igualmente su interés por la cultura americano. De una descendencia ulterior es la directora Doris Dörrie, autora de comedias como la popular Hombres, hombres… (1985), que tiene como tema central el combate de sexos, y Sabiduría garantizada (2000).

Uno de los cineastas más interesantes del ámbito internacional de posguerra fue el sueco Ingmar Bergman, que dio a sus cintas un aire filosófico muy valorado por los espectadores con inquietudes intelectuales. Por el tratamiento de los grandes conflictos que aquejan al hombre: la soledad humana, los conflictos religiosos y las obsesiones sexuales, se transformó en el destacado director sueco y en un autor fundamental en la historia del cine. En El séptimo sello (1956) estudia los misterios del fallecimiento y la moralidad a través de la historia de un caballero medieval que juega una partida de ajedrez con el fallecimiento.

En Fresas salvajes (1957), que representa el igualmente cineasta Victor Sjöström, hace una serie de flashbacks poéticos rememorando la vida de un antiguo docente. Las cintas de Bergman examinan el amor y otras cuestiones clave de la existencia humana; en ellas estudia con mucha habilidad las relaciones y los caracteres de desemejantes personajes, todos ellos vívidamente evidenciados. En Persona (1966), Secretos de un casamiento (1973), Gritos y susurros (1972) y Sonata de otoño (1978), las relaciones de amor-odio entre los diferentes personajes se entremezclan con las temáticas religiosas y filosóficas que cercan sus vidas. La carrera de Bergman se ha extendido a lo largo de tres décadas con obras de gran valor, y un estilo visual impresionante al que acompaña una energía y una inteligencia inimitable.

La década de 1980 ha sido testimonio de una revolución en las formas de entrar a los artículos cinematográficos, con la sustitución del visionado en las salas de cine por el vídeo doméstico, en el que los títulos de debut —especialmente los de las grandes superproducciones— están disponibles poco tras su pase por las salas. Este suceso, unido a la implantación sucesiva de la televisión por cable, con canales temáticos, en las que hay y habrá aún más canales especializados en la emisión continua de cintas, amenaza seriamente no ya a la industria, sino la circunstancia mismo del cine.

Como consecuencia, se está desarrollando un clima semejante al de la década de 1950, en el momento en que las productoras rastrearon, ante la aparición de la televisión, nuevos formatos en busca de un mayor espectáculo, para conquistar cautivar de nuevo a los espectadores a las salas de cine.

Adicionalmente de los primeros trabajos del cineasta Alfred Hitchcock, que comenzó a hacer largometrajes en Hollywood en 1939, y el trabajo durante la posguerra del gerente Carol Reed, con obras como Larga es la noche (1946), la contribución más peculiar del cine británico en las décadas de 1930 y 1940 fue la escuela documentalista dirigida por John Grierson, que acuñó el término documental, definiéndolo como “el tratamiento ingenioso de la realidad”, para discernirlo de los noticiarios y de las cintas de viajes. Como resultado del amparo estatal, se rodaron Song of Ceylon (Canción de Ceilán, 1934), Housing problems (Problemas de la vivienda, 1935) o Night Mail (Correo nocturno, 1936), con las que el género maduró, estableciendo una relación más cercana con el público mediante la inclusión de citas y simulaciones dramatizadas de factos, en un estilo precursor de los actuales docudramas televisivos.

Los Goonies fue una película clásica de la década de 1980 (más precisamente, 1985). Producida por Steven Spielberg, escrita por él y Chris Columbus y dirigida por Richard Donner. En su tiempo, tuvo un éxito extremo. Y el personaje que fue uno de los más llamativos de todos los tiempos fue de Sloth: un hombre deformado pero extradamente fuerte y neceistado.

Sloth fue utilizado por un trío de mafiosos formado por una madre y dos hermanos para ayudar con su fuerza a resolver los problemas de la banda. Pese a su rudeza, actuaba sin saber que estaba haciendo mal a nadie.

No es exagerado decir que los Oscar 2014 tenían dos grandes ganadores. Si ’12 años de Esclavitud’ llevó el premio a la mejor película, además de haber facturado las categorías de mejor actriz secundaria (Lupita Nyong’o) y mejor guión adaptado, cabe a Gravity llevar a casa el mayor número de estatuillas: siete entre diez posibles, entre ellas la de director para Alfonso Cuarón.

Frente a tamaño dominio, poco queda para otras películas. Dallas Buyers Club venció en tres categorías: actor (Matthew McConaughey), actor secundario (Jared Leto) y maquillaje y peinado. Frozen triunfó en dos: mejor película de animación y canción original. Blanchett confirmó el favoritismo en la categoría de mejor actriz con Blue Jasmine.